Reflexiones es una serie de podcast BitterSweet que surgió de la idea de que en épocas de incertidumbre podemos mantenernos firmes recordando momentos pasados de fidelidad, aferrándonos a la esperanza que brinda el buen trabajo de quienes usan sus vidas para servir a su prójimo.

En esta serie, pedimos a nuestros colaboradores que revisen el catálogo de historias de BitterSweet del que formaron parte y discutan el cómo y el por qué de la historia que más los impactó.

Conducido y producido por Robert Winship.

Episodio seis: El cineasta Brandon Bray habla sobre "La dulzura en los barrios bajos de basura de El Cairo".

En este sexto episodio de Reflections, el presentador Robert Winship habla con Brandon Bray, un cineasta radicado en Washington, DC, que recuerda su contribución a la historia de Stephen's Children, una organización que trabaja en los barrios marginales y áreas ocupadas de Egipto, buscando construir fuertes relaciones de confianza con los niños más pobres y vulnerables y sus familias.

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BB: En esencia, siempre se ha intentado democratizar el vídeo, donde no fuera necesario hablar inglés ni árabe. Literalmente, se podía traducir la película a tu propio idioma con solo verla. Y esa fue una idea realmente interesante: ¿hasta dónde podemos llegar?

RW: Bienvenidos a Reflexiones BitterSweet, una serie de audio de seis partes donde los colaboradores de BitterSweet reflexionan sobre historias memorables. Soy Robert Winship.

En este episodio final de Reflections, hablo con Brandon Bray, director de documentales y comerciales, que recuerda una historia sobre los hijos de Stephen.

Brandon Bray es un galardonado director de guion para cine, documentales y comerciales, director de fotografía y editor, que difumina las fronteras entre la narrativa documental y la narrativa. Brandon ha trabajado con clientes como Facebook, Verizon, The New York Times y UPS. También colabora con BitterSweet Monthly. Brandon, gracias por hablar conmigo hoy.

BB: Soy alguien importante. Parece que soy alguien importante. Gracias por invitarme.

RW: Absolutamente. De hecho, solo quería empezar preguntando: ¿qué significa que difuminas las fronteras entre el documental y la narrativa?

BB: Sí, y de hecho creo que empecé a seguir esa dirección al empezar a trabajar con BitterSweet. Pero en realidad significa que siempre me interesa encontrar una forma diferente de contar una historia. Y para muchos de los temas que abordo, lo hago como un documental normal. Hago entrevistas y pienso en cómo queremos compilarlo. Y a través de eso, quizás se añade alguna declaración aparte o alguna otra forma de convertirlo en una pieza más narrativa. Y con narrativa, me refiero a que lo construimos desde cero, a diferencia de una pieza puramente documental donde se sienta a alguien, se le entrevista y luego se graba lo que dice y se superpone. Y he hecho tanto de eso en mi carrera que me aburría muchísimo. Y por eso, estoy mucho más interesado en escuchar su historia, sea cual sea el tema o el área, y luego tomar esa información y recrear algo de lo que han dicho que me interese artísticamente.

RW: ¿Entonces, como una forma de cambiar lo que parece un enfoque muy formal a la hora de contar una historia?

BB: Sí, creo que es cierto. Creo que, ya sabes, cuando empecé en este negocio, tenía muy claro que hay una forma estructurada de hacer un documental y contar la historia de alguien. Y cuanto más lo hacía, más me sentía como si trabajara para un medio de comunicación en lugar de poner algo de mí en la historia. Así que, algo que BitterSweet me permite hacer continuamente es intentar desarrollar ideas increíbles en plazos realmente increíbles. Pero, de nuevo, todo se reduce a la información y el tema de lo que intentas hacer, y ¿cómo puedes ayudar a la gente a comprenderlo mejor?

Y creo que hemos llegado a un punto en el que estamos tan saturados de medios que, si se trata de algo que hemos visto un millón de veces, quizá el formato también podría cambiar. Si estás en una sala de cine y te obligan, ya sabes, a pagar, a sentarte, puedes tener mucha más libertad. Pero si se sube a la web, tienes que esforzarte tanto como el tema del que hablas, porque también se arriesgan al permitirte entrar.

RW: Pienso mucho en el documental, como dijiste. Hay muchísimos medios disponibles y muchísimo cine documental de alta calidad, televisión, con directores y actores que te gustan, o incluso con gente desconocida, que puede alcanzar el nivel de un productor de Hollywood, al menos en documentales. Pero, dicho esto, tienen una fórmula muy estricta. Todo parece bien, pero no engancha de un documental a otro; no te engancha de forma diferente. Y, en cierto modo, puede perder un elemento de humanidad o realidad al hacerlo.

BB: Y creo que tienes razón. Creo que eso está cambiando muy rápido porque algunos de los trabajos que se están lanzando ahora mismo son muy diferentes a cualquier otro. Y casi prefiero polarizarme en uno u otro sentido. Si vas a hacer un documental, no me des todo el relleno del rollo B. Permíteme simplemente analizarlo y dejar que sea lo que es. Y si vas a ir por otro camino, ya sabes, ve hasta el final. Creo que, en cualquier caso, probablemente se deba más a mi personalidad... puedo ver lo que intentaban hacer y si sacrificaron algo para lograrlo. Y creo que, para mí, es el proceso de: ¿lo intentaste y arriesgaste mucho para lograrlo? Y si lo hiciste, creo que se nota en el trabajo.

RW: Es una especie de paradoja del arte: en cierto modo, las restricciones pueden ser liberadoras o crear un límite desde el cual puedes diseñar algo o crear algo nuevo. Pero en este caso, tienes esta libertad extrema y, aun así, y quizás incluso más, puedes entregar o trabajar sin restricciones para crear algo nuevo o inventar dentro de un formato que te resulta familiar.

BB: Sí. Creo que lo has dicho bien. De hecho, discrepo totalmente con eso, ya sabes, cada vez que oigo a alguien decir: «Ojalá tuviera clientes que me dejaran hacer lo que quisiera». Yo digo: «No, no los tienes, no es así, porque entonces no hay nadie que te diga qué es el éxito, excepto tú mismo». Así que más vale que tengas una idea bastante clara de adónde vas. Y además, mientras conduces, te estás poniendo límites para preguntarte: «¿En qué mundo vivo y cómo voy a salir de él?». Pero si no, te sentarás a editar y pensarás: «Ojalá hubiera puesto algunas reglas antes de meterme en esto». Y eso es algo muy difícil de aprender en tiempo real.

RW: Bueno, ¿qué significa para ti el éxito con un cortometraje? Algo como "Con cariño, papá", que es de lo que vamos a hablar.

BB: Es una pregunta interesante, porque creo que he explorado todo el espectro de cómo se vería o se sentiría eso. Videos como estos se publican en internet y se difunden de forma natural, sin estar en ningún sitio durante muchísimo tiempo, o reciben bastante atención. Y luego eso desaparece, pero para cada uno de ellos, lo que realmente quería mostrar era una faceta completamente diferente de una ciudad que normalmente solo se ve para ver las pirámides. Así que, para mí, el éxito reside en analizar esto, identificar todos los clichés que podríamos descartar y luego condensarlo todo en su forma más concentrada. De esta manera, cuando se reflexione sobre el tiempo que permanecerá en internet y quién lo verá, ¿puedo maximizar este mensaje en menos de cinco, cuatro o tres minutos, para que la gente comprenda realmente la situación real?

Sí, suelo tener unas reglas, o las he resuelto recientemente, que son: ¿puedo hacerlo en menos de cinco minutos? ¿Puedo transmitir la historia que quiero contar sin usar palabras? ¿Y puedo resumir toda la historia en una sola acción? Esas son mis reglas, y he trabajado en varios proyectos con BitterSweet, y las considero un éxito. Esa es la parte narrativa. Pero, además, el éxito es… bueno, espero que las personas con las que trabajo en estos entornos sientan que estoy aportando lo mejor de mí artísticamente. Así que evito todo lo que espero que alguien, si me estuviera grabando, evitaría. Si me explico.

RW: El cortometraje del que vamos a hablar se llama "Love, Dad" y se centra en un padre que trabaja en una fábrica de residuos y reciclaje en El Cairo, así como en su relación con su hija pequeña a lo largo del tiempo. Esto forma parte de un perfil más amplio de la organización Stephen's Children, que trabaja en barrios marginales y zonas okupadas de Egipto, forjando relaciones de confianza con los niños más pobres y vulnerables y sus familias. Entonces, ¿cuál es la historia de "Love, Dad"? ¿Y por qué te interesa contarla?

BB: Esta historia surgió gracias a una mujer llamada Maggie Groban, conocida como Mamá Maggie. Viven en esta zona, pero la ubicación fue lo que me impactó, porque es como un barrio suburbano a las afueras de El Cairo. Es una ciudad trabajadora en toda regla, conocida como Ciudad Basura, pero hay un grupo específico llamado Zabaleen que dirige esta zona sin supervisión gubernamental. Es una especie de región autónoma. No hay ningún otro sistema estructural en el mundo que pueda igualar lo que hacen a las afueras de El Cairo. Toda esta basura entra y luego se va a este laberinto de calles. El nombre Zabaleen, el término coloquial es "gente de la basura", pero creo que es lo más ridículo del mundo porque son las personas más emprendedoras que he visto en el mundo. Y son capaces de ver algo que nadie más ve, lo cual creo que es la definición de un emprendedor, o ver el valor en algo que nadie más ve. Así que Mamá Maggie llegó a esta zona y logró algo increíble. Construyó una escuela justo en el centro de toda la zona. En resumen, toda esta historia me resultó interesante a medida que la profundizamos, y perdí el interés en centrarme en el personaje de Mamá Maggie, a pesar de que es como una santa patrona de la zona.   Era una figura espiritual muy importante en esa comunidad. Y si no hubiéramos tenido su contacto, no creo que hubiéramos podido filmar en la zona. Pero bueno, gracias a estas conversaciones, descubrimos que había una chica que se había convertido en médica en Canadá, creo. Y su padre era uno de los que trabajaban en la planta de cocción, y fue solo un comentario casual. Y fue entonces cuando me dije: «Creo que eso cumple con todos mis criterios. Puedo hacerlo sin palabras». Representa todos los aspectos que me interesan: el sacrificio familiar, el ingenio y, además, la recompensa de que finalmente vaya a la escuela. Así que tuve que construir todo eso a partir de las historias de Mamá Maggie. Y luego empezamos a filmar.

RW: Ya mencionaste cuál fue tu enfoque al respecto. Y supongo que lo reiteraré: hacer una lista de todo lo que ya has hecho o lo que has visto hacer. Intentar dejarlas de lado y pensar qué más podemos hacer o cómo podemos contar mejor la historia. ¿Es correcto?

BB: Sí. Y a veces esas cosas simplemente escapan a tu control, pero al final me interesa mucho más intentar crear una comprensión universal de una historia, y luego dejar que la atmósfera misma sea el personaje que realmente transmita esa lección. Así que, con cada historia, espero que te hagas una idea de cómo vive alguien en una zona, con sus propias palabras, sin usar palabras, mientras te centras en una verdad universal que no tiene ciudad. Así que siempre intento encontrar esas pequeñas, no sé, pepitas de verdad. Y si puedo hacerlo, entonces se convierte en una pregunta: ¿podemos hacerlo logísticamente? Porque en este punto del proceso, la mayoría son rodajes de 10 días. Así que suelo quemar los primeros cinco días. Ni siquiera rodaje. Simplemente intento hablar con la gente. Estoy tratando de entender, ya sabes, dónde estamos en el mundo en este momento, y antes de que yo... así que técnicamente eso es genial en teoría, pero también significa que necesitas hacer todo en la mitad del tiempo.

RW: Otros colaboradores han lamentado la dificultad de adentrarse en una historia, o de ir a una ciudad, ya sea en Estados Unidos o en el extranjero, y contar con quizás tres días. Y realmente solo quieren dedicar el primer día, si no todo el tiempo, a familiarizarse, a entender quién es quién, cuál es la historia real y a escuchar atentamente. Ahora tienes un poco más de tiempo, pero también tienes que ofrecer un mensaje más amplio.

BB: Si estás grabando algo, no estás aprendiendo nada. Así que probablemente necesites aprender algo antes de filmar algo. Pero, de nuevo, esto siempre se reduce a la idea de que tratamos este tipo de proyectos como si fueran proyectos comerciales, donde te contratan por un día. Y normalmente, esos clientes quieren la máxima cantidad de material para el día. Y es doloroso porque luego trasladas esa mala lección a otros proyectos. Y antes de que te des cuenta, te das la vuelta y dices: «Ya ni siquiera sé qué estoy grabando ni por qué lo estoy grabando». Así que estos viajes son como una reorientación, como una psicodelia para que tu cerebro se reoriente y diga que necesitas empezar de nuevo.

RW: Dijiste eso, y esto es cierto en los pocos cortometrajes que he visto: intentas evitar cualquier diálogo. Tienes algún tipo de sonido natural y una banda sonora para cada uno de estos cortometrajes, pero prefieres trabajar sin diálogos. ¿Por qué?

BB: Creo que esto me ha metido en problemas con otros proyectos porque hay momentos en los que... creo que la lección aquí es que hay que hacer lo necesario en ese momento. Y creo que funcionó para un par, así que uno sigue intentando replicar algunas cosas porque, si funcionó la última vez, en teoría significa que tiene que funcionar esta vez, ¿no? Y esa es una buena lección para aprender en cualquier cosa, que yo mismo fui perezoso. Así que, en esencia, siempre se ha tratado de democratizar el video, donde no se necesita hablar inglés ni árabe. Se puede traducir la película a tu propio idioma con solo verla. Y esa fue una idea realmente interesante de hasta dónde podemos llegar. ¿Y es posible hacerlo en tan poco tiempo? Bueno. Bueno, eso también es bastante difícil... y a partir de ahí fue como una bola de nieve. Y simplemente se sintió más limpio. Me pareció una solución más elegante e intentar... Además, se trata de personas reales, así que en cuanto se introduce el diálogo, las cosas se vuelven irreales rápidamente, porque se siente falso. Así que es mucho más fácil que alguien haga algo que diga algo, y todo tenía sentido. Pero sí, creo que, en el fondo, se percibe de forma mucho más universal.

RW: Como ya mencioné, esta película se centra en la relación entre un padre y una hija a lo largo del tiempo. Él trabaja en lo que parece ser una sección de reciclaje de aluminio de una de estas plantas. Al principio, ella es una niña, y ya has insinuado que crece y se muda a Canadá. ¿Aparecieron todos ellos en el cortometraje? ¿Se trataba de una versión dramatizada o filmaste a alguno de los actores reales?

BB: Sí, todos estos eran personajes que vivían por la zona. La niña de la película era una de las alumnas de la escuela de Mamá Maggie. Pero por lo demás, todos los demás vivían en la ciudad y sus alrededores, lo que presenta muchos problemas. En primer lugar, porque es muy difícil explicarle, incluso a alguien que entiende cómo funciona todo esto, lo que intentas hacer. Es muy difícil siquiera pensar en algo remotamente atractivo sobre lo que intentas hacer en estas situaciones en las que piensas: "Bueno, te voy a grabar trabajando con estas latas. ¿Adónde va?". Bueno, es un poco confuso. ¿De qué trata la historia? Eso también es un poco confuso. Pero por suerte, todos estaban dispuestos a ayudarnos. Stephen Jeter y yo estábamos filmando en esa fábrica de aluminio, y estoy seguro de que si no conseguimos nada, como esos tipos, no sé cómo siguen vivos. Es realmente increíble porque apenas podía ver mientras estábamos filmando, porque había mucho humo, no había ventilación y literalmente estaban quemando latas de aluminio hasta convertirlas en... estos ladrillos calientes y fundidos, que parecen ladrillos de oro, pero son solo latas de refresco.

RW: Es un componente visual muy potente de la película, a pesar de su corta duración. Lograste capturar tanto el aspecto laberíntico de esta especie de ciudad de basura, como, sobre todo, estos hornos fundidos donde se quema el aluminio. ¿Cuál es la experiencia sensorial de estar en ese lugar?

BB: Parece un infierno... es simplemente increíble. Teníamos un intermediario, bueno, teníamos varios intermediarios, pero uno de ellos estaba con nosotros para ayudarnos a filmar en esta zona y se fue, muy enfadado con nosotros. Nos decía: «No sé por qué estarían filmando ahí. No es bueno para la salud. Tienen que salir de aquí inmediatamente». Y seguíamos filmando allí. Y así, no era divertido. Y además, cada noche desde entonces, o sobre todo mientras rodábamos, creo que nos decíamos: «No sé cómo un ser humano puede soportar eso, y mucho menos durante 12 horas al día, seis días a la semana». Tenían un día libre. Fue desgarrador, la verdad. Fue muy difícil.

RW: Tienes desafíos narrativos y tienes desafíos logísticos, especialmente los desafíos narrativos. ¿Cómo han cambiado la forma en que abordas la narración después de esto, e incluso después de Congo, que fue un poco antes de esto, pero que son parte de algunos de estos proyectos internacionales anteriores de BitterSweet?

BB: Siento que en cada proyecto que haces, especialmente en este mundo, no hay una solución inmediata. Toda tu carrera se basa en recopilar diferentes conocimientos, y en El Cairo, las circunstancias eran totalmente diferentes. Y lo único que se percibe es, creo, detenerse en la puerta cada vez y preguntarse: ¿es este el enfoque adecuado para esta historia? Y si estás poniendo... a veces me estoy poniendo demasiado a mí mismo y anteponiendo mi necesidad de lo que sea que esto deba ser, por encima del tercer punto: ¿realmente estás simplificando esto hasta el núcleo de la historia? ¿O estás siendo superficial con el equipo e intentando hacer cosas que no necesitas hacer? Porque hay mucha humildad en estas cosas, y requiere mucha introspección para decirte: ¿es esto realmente lo correcto? Pero creo que, en general, si tienes esa capacidad, y luego ves que tus sujetos te la reflejan, te da una buena señal de que he llevado las cosas demasiado lejos. O bien, contribuyen y luego le añaden algo para decir: "¡Vaya!, no se me habría ocurrido en absoluto; es la parte documental la que está saliendo, así que ahora puedo añadirla a la narrativa". Pero sí, no sé si ha cambiado totalmente mi enfoque de la narración, más allá de la humildad necesaria al abordar cada proyecto. Creo que es un buen reinicio para cualquiera en cualquier tipo de trabajo. Y BitterSweet me lo da, pero creo que los médicos lo hacen con sus pacientes al trabajar en zonas donde no reciben buena atención médica. Creo que mucha gente puede hacerlo a su manera. Es más bien un estado mental, creo.

RW: Con cada una de estas historias, y pensando no solo en BitterSweet, sino en contar la historia de cualquier otra persona, les he estado preguntando a cada uno de los colaboradores: ¿cómo ven el empoderamiento? ¿Qué significa esa palabra para ustedes? ¿Qué significa empoderamiento para ustedes?

BB: Creo que, en definitiva, se trata de entregar algo. El poder es lo más difícil de entregar. Y creo que entregarlo tiene el extraño efecto de no solo beneficiar a la persona que tienes delante, sino que también te empodera como individuo. Es como lo mencioné antes, pero creo que la humildad que estos proyectos exigen y la autorreflexión que también exigen, desde cuánto me esfuerzo para involucrarme en esta pieza, hasta cómo me concentro lo suficiente en mis protagonistas, y cómo les ofrezco lo que debo ser para esta historia. Me empoderan para ser el mejor narrador posible. Y, ya sabes, en algunas de estas situaciones, les empoderamos para que nos cuenten una versión diferente de una historia en la que nunca antes habían pensado, como un matiz que alguien encontraría interesante, pero que simplemente parecería irrelevante, como un detalle que a nadie le importa. Creo que esos son mis puntos favoritos: que se den cuenta de que dedicaste todo este tiempo a un detalle aparentemente irrelevante. Entonces, el tema del empoderamiento es interesante, porque es una vía de doble sentido en estos proyectos, ya que se apoyan mutuamente con mucha fuerza, y si una persona no se resiste, todo se desmorona. Así que dependen totalmente el uno del otro y se empoderan mutuamente para lograr cualquier cosa.

RW: Depende de los sujetos, supongo, tanto como del resto del equipo de Jeter, Dave, Kate y Jessica, y todos ellos.

BB: Sí. Dependes totalmente de... incluso más que tu equipo, porque no solo estás en un lugar desconocido donde no entiendes exactamente qué está pasando, sino que en una situación como esta, les estás pidiendo que hagan cosas increíbles. No me imagino si alguien llegara a mi vida y me dijera... algunas de las cosas que les pido que hagan, ya sea... ya sabes, al final de esta pieza, básicamente estamos avanzando rápidamente en el tiempo. Así que tenemos al chico más joven que trabaja en la zona, ahora un padre mayor que reflexiona sobre todo. Incluso le pedimos que fingiera escribir una carta, y descubrimos que en realidad... la idea en mi guion era que le escribiera a su hija una carta que ella recibe. Lo que descubrimos, justo cuando pusimos un papel sobre la mesa, es que no sabía leer ni escribir. Es muy parecido. Ese es un gran ejemplo de que ahora estoy en una situación en la que he pensado en algo, ya sabes, con mi mentalidad estadounidense, y aquí es completamente diferente. Y he creado todo esto basándome en una idea: esas pequeñas minas terrestres que, al golpearlas, piensas: "¡Guau!, necesito reflexionar mucho sobre eso". En fin, lo trazamos siguiendo algunas líneas para intentar hacer trampa, pero fue un momento muy poderoso para mí sentir eso como creador de una historia. Y al mismo tiempo, la humanidad detrás de ello, siendo un tipo normal que trabajó en este sector toda su vida. Y le dijimos: "¿Puedes venir y escribir una carta?". Él dijo: "Claro". No tenía ni idea de cómo escribir una carta. Dijo: "Sí, lo haré". Simplemente la disposición y la belleza de que lo hiciera porque conocía a alguien en la zona. Fue genial.

RW: Has dicho que tu objetivo siempre es convertir cada historia, cortometraje o película, en algo universal, tanto mediante un guion sin diálogos, por así decirlo, como intentando capturar estas ideas universales en imágenes y fotogramas sencillos. Con el tiempo, ¿cuál crees que es la relevancia de esta historia ahora, cuatro años después?

BB: Al reflexionar sobre todo este proyecto, creo que lo que siempre me viene a la mente es lo incómodo que es acercarse a cualquier proceso de cómo funciona algo realmente. Es decir, ¿por qué irías a El Cairo si no vas a ver las pirámides? ¿Por qué irías si no vas a, por ejemplo, por esto…? Y, sin embargo, la historia más interesante probablemente esté a la vuelta de la esquina, y nadie irá, porque es solo basura, es basura, es fácil de ver y no tiene sentido. No tiene ningún valor. Y es probablemente uno de los mecanismos más increíbles del mundo que se desarrolla ante tus ojos.

Entonces, creo que siempre se reitera que... no se comprende del todo la historia porque no se ha visto el proceso ni se observa a la gente procesar la basura o los desechos porque alguien más no quiso verlos, mirarlos, olerlos, pensar en ellos. Hay mucho en qué reflexionar. Por otro lado, sin la basura, estas personas no tendrían trabajo. No tendrían vida. Han construido todo su universo en torno a los desechos y su gestión. Eliminar eso sería, ya sabes, desmantelar toda la cultura. Así que es un toma y daca extraño para toda la situación que tiene dos caras. Pero creo que hay mucho en qué reflexionar, ya sabes, a medida que continuamos por este camino de no tener idea de dónde está el principio o el final de algo, y simplemente lo tomo, lo consumo y luego lo tiro, y hay mucho que ver en esto todavía.

RW: Muchas gracias por tu tiempo, Brandon.

BB: Sí. Muchas gracias por tomarte el tiempo para hacer esta entrevista. Te lo agradezco.

RW: Este cortometraje, "Love, Dad", forma parte de una historia titulada "Dulzura en los barrios bajos de basura de El Cairo". Animo a todos los oyentes a que la vean. Incluye una historia completa, muchísima fotografía increíble, y el cortometraje que la acompaña, publicado originalmente en octubre de 2016. Pueden ver más de nuestro invitado, Brandon Bray, en decade dot IS.